“M.I.A.”: Elettronica, fuga e libertà: l’identità ribelle che chiude BEAUTIFUL CHAOS

 

“M.I.A”, inclusa nel secondo EP BEAUTIFUL CHAOS pubblicato il 27 giugno 2025, è una delle tracce più incisive e dichiaratamente ribelli del progetto. Il titolo è l’acronimo di “Missing In Action” e diventa fin da subito una dichiarazione di autonomia: scomparire, sottrarsi, uscire di scena alle proprie condizioni.

Il brano unisce con precisione elettronica e dance pop, costruendo un’atmosfera oscura e dinamica fin dal primo istante, quando il beat carico di synth e bassi pulsanti entra in scena. L’energia è immediata, quasi cinematografica, e sostiene un messaggio di resistenza contro oppressione e vincoli relazionali. Le vocalità audaci e l’atteggiamento sicuro delle ragazze amplificano l’immersione, imprimendo con forza l’identità del gruppo.

Alla produzione troviamo RISC, già al lavoro con artisti come Anne-Marie, IVE, PinkPantheress e Saweetie, elemento che contribuisce alla struttura compatta e contemporanea del brano. In un’intervista a Rolling Stone, Daniela ha raccontato: “Abbiamo urlato quando l’abbiamo sentita.” Lara ha aggiunto: “È esattamente il nostro gusto. La produzione è pazzesca e abbiamo davvero mostrato la nostra individualità.”

La ripetizione del verso “I’ll go M.I.A” non è solo un ritornello, ma una postura. L’acronimo “Missing In Action” sottolinea la capacità di lasciare una situazione senza spiegazioni, di sottrarsi con disinvoltura. Nel contesto del brano, questa fuga sembra legata a una relazione: una dinamica in cui il controllo e l’attaccamento non vengono accettati.

Versi come:

“Smoke and mirrors, see me clearer when you close your eyes”

presentano una figura sfuggente, difficile da decifrare. L’immagine di “fumo e specchi” richiama l’illusione e la manipolazione percettiva. Per comprenderla davvero, suggerisce il testo, non basta guardare: bisogna ascoltare, andare oltre la superficie. È l’idea di una “poker face” emotiva, di una presenza che si sottrae allo sguardo diretto.

Un altro passaggio centrale è:

“No, you won’t put a leash on a bitch”

Qui il linguaggio diventa esplicitamente provocatorio. “Leash” – guinzaglio – richiama l’idea di controllo. Il termine “bitch”, pur volgare, viene riappropriato come simbolo di forza e fierezza. Il messaggio è chiaro: nessuno può incatenare o limitare una donna consapevole della propria autonomia. È una linea che sfida apertamente stereotipi e costrutti tradizionali sulle relazioni.

Il testo insiste anche sull’idea di non offrire più di quanto si desideri:

“You want more, but you get what I give”
“Don’t get comfortable ’cause any minute now…”

Non c’è promessa di stabilità. L’instabilità diventa potere. La possibilità di sparire in qualsiasi momento è ciò che ribalta la dinamica.

La fuga viene narrata attraverso immagini concrete:

“I’ll dip and dash”
“Got the car with my girls in the back”

L’uscita di scena è rapida, quasi cinematografica: l’auto pronta, le amiche sul sedile posteriore, la città che scorre. Il verso “Solo in Soho” evoca uno spazio urbano iconico, simbolo di indipendenza e anonimato. La domanda “Where she go?” resta senza risposta: “Nobody knows.”

Il testo include anche il dettaglio dell’“anello mancante” (“The missing ring around your finger, swore you wore last night”), suggerendo l’assenza di un impegno o la rottura di una promessa. È un’altra immagine che rafforza l’idea di distacco improvviso.

In “Too bad, so sad, I won’t hit back” emerge un ulteriore rifiuto del conflitto diretto. Non c’è bisogno di reagire o replicare: la vera risposta è l’assenza. “I’m halfway out the country” amplifica l’idea di distanza, fisica ed emotiva.

“M.I.A” non è soltanto una canzone sulla fuga, ma sulla scelta di non restare dove non si è valorizzate. La scomparsa diventa affermazione. In un panorama pop dove spesso la permanenza e la visibilità sono considerate indispensabili, KATSEYE propone un gesto opposto: sparire può essere un atto di forza.

Con una produzione elettronica incisiva, un ritornello martellante e un testo che alterna provocazione e consapevolezza, “M.I.A” conclude idealmente BEAUTIFUL CHAOS ribadendo l’identità del gruppo: indipendente, sicura e pronta a muoversi senza chiedere permesso.

BANG BANG: le IVE tornano, e non chiedono permesso

 

“BANG BANG”, pre-release song delle IVE, si presenta come un’apertura netta e immediata, più simile a un segnale che a un’esibizione. Non è una canzone che cerca di stupire con artifici narrativi o concettuali complessi, ma una dichiarazione di movimento: un “siamo ancora qui” detto con velocità, ritmo e impatto. Il tempo rapido, la ritmica dritta e il ritornello immediatamente riconoscibile costruiscono una sensazione di slancio continuo, senza esitazioni. In questo senso, BANG BANG non racconta tanto un inizio quanto lo annuncia, risvegliando il battito dell’intero album di cui anticipa l’energia.

A livello testuale, il brano si muove nella stessa direzione. Il Verse 1 apre con una messa in scena aggressiva e consapevole:

“It's a new scene, it's aggressive”

“모든 소문 속의 problem, yeah, I'm 걔지”

“벽에 붙은 나의 picture, 아래 wanted”

L’immaginario è chiaro e diretto. La figura del wanted poster, dell’identità esposta e riconoscibile, costruisce un soggetto che vive sotto osservazione costante, al centro di voci e attenzioni. È una rappresentazione efficace, immediata, che funziona bene come apertura. Allo stesso tempo, però, resta volutamente iconica: il “problem” evocato non viene sviluppato, non diventa racconto, ma resta un segno distintivo, una posa dichiarata.

Il pre-chorus rafforza l’atteggiamento mentale del brano:

“Wake up, 주저 하지 말고”

“I don't give a 쉿, what you say?”

Qui il testo trova uno dei suoi punti di forza principali: il rifiuto dello sguardo altrui è espresso senza filtri, quasi in forma colloquiale. Non c’è metafora, non c’è ambiguità. Tuttavia, questa chiarezza diventa anche un limite nel corso della canzone, perché il concetto viene ribadito più volte senza una reale evoluzione semantica.

Il chorus incarna perfettamente l’identità di BANG BANG:

“I'll be going out with a bang, shaking my head, this is my way”

“This is my day”

Qui il testo rinuncia consapevolmente alla profondità per privilegiare l’impatto. “Going out with a bang” non è spiegato, non è contestualizzato: è un gesto, un’affermazione di stile. Funziona sul piano performativo e musicale, ma rimane volutamente vuoto dal punto di vista narrativo. Non ci viene detto perché questa sia “my way”, solo che lo è.

Nel Verse 2, l’energia cresce ma la scrittura resta sullo stesso piano concettuale:

“It's explosive, it's aggressive”

“It's a little bit offensive, yeah, I said it”

Qui il testo diventa quasi autoreferenziale, descrivendo se stesso più che raccontare qualcosa di nuovo. È una scelta coerente con il concept del brano, ma mette in evidenza una delle sue principali debolezze: le parole non aggiungono livelli di lettura, rafforzano semplicemente ciò che è già evidente nel sound e nell’atteggiamento.

Il bridge è forse il momento più interessante dal punto di vista testuale:

“Hot issue, ‘대체 누굴까?’”

“연기처럼 disappear, catch me if you can”

Qui emerge una tensione più sottile tra visibilità e inafferrabilità. Essere costantemente cercate, nominate, inseguite, per poi svanire come fumo, introduce un’idea che avrebbe potuto aprire a una riflessione più ampia sull’identità pubblica. Tuttavia, resta un’intuizione isolata, rapidamente assorbita dal ritorno del chorus.

Il finale, dominato dalla ripetizione di “Bang, bang”, chiude il brano senza trasformazioni narrative. BANG BANG termina esattamente dove è iniziata, confermando che il suo obiettivo non è raccontare un percorso, ma fissare un’attitudine.

Questa impostazione trova un riflesso coerente anche nel music video della pre-release. Ambientato in uno spazio urbano, caratterizzato da montaggio rapido e performance aggressive, il video traduce visivamente l’idea di rinascita e movimento. Non spiega, non argomenta: dichiara. La partenza avviene attraverso la velocità più che attraverso il messaggio, l’atteggiamento più che la narrazione. Dal finale all’inizio, dal singolo all’insieme, da “me” a “noi”, IVE costruisce questa connessione in modo simultaneo tra musica e immagine.

Dal punto di vista musicale, BANG BANG è una title track potente, centrata su sonorità EDM ed elettroniche. L’intro, che utilizza elementi di western swing, cattura immediatamente l’attenzione prima di lasciare spazio a un beat dritto e incisivo che imprime un forte senso di “partenza”. Il brano annuncia l’inizio dell’album in modo chiaro, imprimendo fin da subito una sensazione di slancio e di movimento.

Il singolo segna inoltre il comeback di IVE a sei mesi dal quarto EP IVE SECRET. Prima del comeback, è emersa inoltre la notizia della revisione del testo da parte di KBS, ritenuto inizialmente inadatto alla trasmissione. Questo ha alimentato curiosità sul contenuto lirico del brano, ipotizzando la presenza di slang o espressioni considerate forti, cosa poco comune nella discografia di IVE. Data la difficoltà di modificare il testo a ridosso dell’uscita dell’album, sembra che siano state preparate liriche alternative specifiche per la trasmissione. Un estratto del brano è stato infine pre-rilasciato su TikTok il 2 febbraio, anticipandone l’impatto virale.

Nel complesso, “BANG BANG” funziona meglio come apertura e dichiarazione di presenza che come testo da analizzare in profondità. I suoi punti di forza risiedono nella coerenza dell’immaginario, nella sicurezza del tono e nella capacità di imprimere immediatamente un’identità forte. Le debolezze emergono nella ripetitività concettuale e nella mancanza di un vero sviluppo narrativo. Non è una canzone che cerca introspezione o ambiguità emotiva: BANG BANG parla di movimento, impatto, partenza. Dice “siamo pronte” più che “chi siamo”, e lo fa senza chiedere spiegazioni, né offrirle.

“GAMEBOY”: Tra nostalgia rétro e ironia contemporanea, il gioco diventa linguaggio pop

 

Pubblicata ufficialmente il 27 giugno 2025, dopo la registrazione presso ASCAP il 18 febbraio dello stesso anno, “Gameboy” si presenta come una delle tracce più rappresentative dell’evoluzione sonora di KATSEYE. Il brano, scritto dall’acclamato autore Jacob Kasher – già collaboratore di artisti come Selena Gomez, Britney Spears, Maroon 5, Tate McRae e Lady Gaga – unisce struttura dance pop e immaginario videoludico in una sintesi che combina leggerezza, controllo e consapevolezza.

“Gameboy” è una traccia dance pop che cattura l’unicità del gruppo: gioco e dignità convivono nella stessa costruzione sonora. Il brano integra suoni rétro ispirati ai videogiochi con un ritmo moombahton morbido e sensuale, creando una base dinamica che valorizza le vocalità affascinanti dei membri. Le liriche, dirette e a tratti volutamente taglienti, sono accompagnate da beat accattivanti che aggiungono energia all’intera composizione, specialmente quando rivolte a un interlocutore sfuggente, difficile da “afferrare”. KATSEYE dimostra qui una competenza musicale flessibile e raffinata, reinterpretando l’estetica nostalgica in chiave pop moderna.

In un’intervista a Rolling Stone, Megan ha definito il brano “una canzone feel-good, come una versione più elevata di ‘Touch’”. Yoonchae ha aggiunto di essere particolarmente entusiasta, convinta che “Gameboy” sarebbe diventata la preferita degli Eyekons legati all’era di “Touch”. La traccia, infatti, debutta alla posizione #9 nella Billboard Bubbling Under Hot 100, segnando il miglior risultato del gruppo in quella classifica.

Lungo tutto il brano emergono riferimenti espliciti al mondo dei videogiochi. L’espressione “pushing my buttons” richiama i pulsanti dei controller, strumenti attraverso cui il giocatore impartisce comandi e azioni. In questo contesto, l’immagine suggerisce come il ragazzo descritto nella canzone provochi Daniela, alimentando tensione e reazioni emotive legate al “drama” citato nella prima strofa.

Il concetto di “levels” rimanda invece ai livelli di difficoltà e progresso tipici dei videogiochi. In chiave relazionale, il testo lascia intendere che le capacità del ragazzo come partner siano migliorate proprio grazie a lei, come se fosse “salito di livello” sotto la sua influenza. Questa metafora introduce una dimensione ironica ma anche critica: l’evoluzione non è spontanea, bensì indotta.

Il ragazzo viene paragonato a un Gameboy, la celebre console portatile, suggerendo che sia visto come qualcosa di divertente con cui giocare, ma non necessariamente da prendere sul serio. Egli tratta la relazione come un gioco, anziché come un legame autentico. Si intravede anche un’allusione a “Playboy”, la famosa rivista maschile, un gioco di parole che rafforza l’idea di superficialità e strumentalizzazione. Anche se il termine non viene menzionato direttamente, il riferimento è chiaro: qualcuno che si comporta come un giocattolo per il proprio divertimento. Scegliendo di non “giocare”, le ragazze affermano il desiderio di relazioni reali, non di dinamiche vuote o superficiali.

In una linea interpretata da Lara, la relazione viene definita “a game”, con un duplice significato: da un lato un divertimento leggero, dall’altro una strategia calcolata. Entrambe le letture suggeriscono che lei comprenda perfettamente le mosse del ragazzo, smascherandone l’approccio. Come accade talvolta con i videogiochi, ciò che inizialmente intrattiene può trasformarsi in una “perdita di tempo”, alimentando la volontà di interrompere o “buttare via” la situazione.

Un altro passaggio sottolinea come il presunto fidanzato sia ingrato e svaluti la partner, trattandola come qualcosa di sacrificabile. Daniela afferma implicitamente di non essere qualcuno da “toss away”, da scartare. Anche qui si può intravedere un possibile riferimento alla sconfitta in un videogioco, al concetto di “losing”: la relazione diventa una partita in cui qualcuno rischia di perdere.

“Gameboy” non è soltanto un brano pop dall’estetica nostalgica; è una riflessione ironica sulle dinamiche relazionali e sulle strategie emotive. Il gioco diventa metafora di potere, controllo e percezione. Con una produzione curata, un ritornello immediato e un immaginario accessibile ma stratificato, KATSEYE dimostra ancora una volta la capacità di trasformare un concetto apparentemente semplice in un racconto articolato.

Tra suoni rétro, ritmi sensuali e un linguaggio che alterna leggerezza e sottotesto critico, “Gameboy” consolida la traiettoria del gruppo in un panorama pop globale sempre più competitivo, riaffermando la loro identità con sicurezza e ironia.

Save Me di Chung Ha: un’orbita emotiva tra smarrimento e identità

“Save Me” è il primo singolo digitale in inglese di Chung Ha, pubblicato il 9 febbraio 2026. Si tratta di un brano electronic pop della durata di 3 minuti e 39 secondi, scritto e composto dalla stessa Chungha. Fin dal primo ascolto, Save Me si rivela una canzone profondamente introspettiva, capace di raccontare un percorso che parte dallo smarrimento, attraversa la richiesta di salvezza e approda infine all’auto-riconoscimento. 

La forza del brano sta proprio nella sua domanda centrale — “Will you be the one to save me?” — che non resta mai stabile. All’inizio è rivolta a un “tu”, una presenza esterna a cui aggrapparsi; ma nel bridge questa domanda si ribalta e si trasforma in una presa di coscienza del sé. La salvezza, lentamente, cambia direzione. Nel Verse 1 emergono con forza la dissociazione e la perdita di identità. Nei versi

“Lately, I've been floating through the night”
“Searching for the life I left behind”

l’immagine del fluttuare nella notte suggerisce una condizione di sospensione totale: non c’è appoggio, non c’è terra sotto i piedi. Chungha non sta camminando nella vita, ci sta galleggiando sopra, senza controllo.

Quando la strofa prosegue con

“When did everything start changing? All the memories scatter 'round”

la domanda resta senza risposta. È lo spaesamento tipico di chi realizza solo a posteriori che qualcosa si è rotto. I ricordi non sono più lineari: “scatter ’round” restituisce l’idea di una memoria frammentata, emotivamente instabile.

Il verso

“I'm running through the seasons of my life”

sposta il discorso sul tempo, che non è più cronologico ma esistenziale. Chungha non sta vivendo le stagioni della sua vita: le sta attraversando di corsa, come se avesse paura di fermarsi.

Il pre-chorus apre invece a una vulnerabilità esplicita. Con

“But what if I'm hurting?”
“What if I need someone?”

entriamo nel cuore emotivo del brano. La ripetizione di “What if” non è retorica, ma difensiva: non dice “sto male”, bensì “e se stessi male?”. È una richiesta di aiuto mascherata da ipotesi.

La metafora si fa ancora più potente nel verso

“When gravity's falling down”.

Qui Chungha non ci dice che è lei a cadere, ma che è la gravità stessa a cedere. Sono venute meno le leggi che tenevano insieme il mondo. Con “I don't want to let you down” emerge poi un conflitto centrale: il bisogno dell’altro convive con la paura di essere un peso, una dinamica tipica di chi ha interiorizzato l’idea di doversi salvare da solo.

Il chorus dà voce alla domanda ossessiva che attraversa tutto il brano:

“Will you be the one, you be the one to save me?”

È un loop mentale, un mantra che ritorna senza risposta. Il “tu” resta volutamente ambiguo: può essere un partner, un amico, una figura salvifica o persino una versione futura di sé.

Nel Verse 2, dedicato alla crescita solitaria e alle cicatrici, Chungha canta:

“Lonely Saturn years passed, found my space”.

I Saturn years richiamano l’astrologia e i cicli lunghi e duri della maturazione forzata. Saturno è disciplina, isolamento, prova.

Quando prosegue con

“I'll orbit in a new direction, caring, loving, all on my own”

assistiamo a una svolta: l’orbita cambia, ma resta pur sempre un’orbita. Non è ancora libertà totale, bensì un’autonomia conquistata a fatica.

E nel verso

“I'll never let the sunlight fade away, I'm okay”

quel “I'm okay” suona fragile, quasi difensivo. Non è una certezza, ma qualcosa che si ripete per convincersi.

Il bridge rappresenta il momento della rivelazione identitaria. In

“Healing all alone, found the antidote”

è chiaro che non è l’amore esterno a salvare, ma il processo interno. L’“antidoto” non viene nominato perché coincide con il sé.

Con

“That I'll see it written in the stars”

il destino non è più imposto: è riconosciuto, letto.

E quando Chungha canta

“'Cause I am the light that kills the dark”

il significato del chorus precedente viene completamente ribaltato. La salvezza non arriva da fuori: è già dentro. Il finale, “I'll find me”, è potentissimo nella sua semplicità. Non “ti troverò”, non “troverò l’amore”. Troverò me stessa.

Quando il chorus ritorna dopo il bridge, non è più lo stesso, anche se il testo rimane simile. Ora la domanda “Will you be the one to save me?” suona quasi retorica, perché l’ascoltatore ha già compreso la risposta: la persona che salva è chi canta.

Questo nuovo singolo di Chungha ha davvero molto da offrire a livello testuale: metafore coerenti (orbita, gravità, luce, stelle), un’evoluzione narrativa chiara ma mai didascalica, un chorus ossessivo usato con intelligenza e un bridge risolutivo e identitario. Save Me non è una canzone d’amore romantico, ma un racconto sulla transizione dalla dipendenza emotiva all’autosufficienza emotiva, senza cinismo né rabbia, attraversato da una dolce malinconia.

Ho apprezzato particolarmente questa nuova uscita musicale di Chungha. La scelta di pubblicare un brano in inglese mi ha permesso di coglierne ogni sfumatura, mentre la produzione accompagna il testo in modo elegante e coerente, amplificandone l’impatto emotivo.

“Gabriela”: Tra pop elegante, sensibilità latina e il dramma senza tempo della telenovela

 

Il 20 giugno, il global girl group KATSEYE, formato sotto HYBE e Geffen Records, ha pubblicato il nuovo singolo “Gabriela”, secondo estratto dall’EP BEAUTIFUL CHAOS. Dopo l’energia abrasiva e sperimentale di “Gnarly”, il gruppo sceglie una direzione diversa: una traccia pop con sfumature R&B e una forte sensibilità latina, in cui emergono sensualità, controllo vocale e tensione narrativa.

“Gabriela” è una canzone armoniosa che fonde pop stilizzato e atmosfere latine, valorizzando l’energia sensuale di KATSEYE e una competenza vocale più matura. Il brano cattura la tensione di un triangolo amoroso e costruisce il suo racconto attorno all’ansia e alla curiosità generate da una figura affascinante che minaccia l’equilibrio della coppia. Attraverso liriche al tempo stesso oniriche e dirette, il gruppo affronta l’insicurezza che nasce davanti a un possibile rivale. Le parti in spagnolo, interpretate da Daniela, intensificano l’impatto emotivo della traccia e ne amplificano la dimensione latina.

Alla scrittura e composizione ha partecipato Charli XCX, contribuendo a rafforzare l’identità pop internazionale del brano. La produzione porta la firma di Andrew Watt, vincitore di Grammy Award, e di John Ryan, noto per le collaborazioni con numerose pop star. Tra gli autori figura anche Ali Tamposi, già coinvolta in brani come “Señorita” di Shawn Mendes e Camila Cabello e “IDOL” dei BTS. Il risultato è una costruzione sonora rifinita, che unisce sensualità e tensione melodica.

Il concept visivo di “Gabriela” si ispira esplicitamente alle telenovelas sudamericane degli anni ’90 e 2000, celebri per l’intensità melodrammatica, i colori saturi e le interpretazioni sopra le righe. Nel music video, KATSEYE rilegge questo immaginario con ironia e consapevolezza, immergendo lo spettatore in un vortice di gelosia e conflitto attorno alla domanda centrale: “Chi è Gabriela?”.

Le sei membri interpretano personaggi al centro di dinamiche competitive, con recitazioni volutamente enfatiche, palette cromatiche vivaci e movimenti di camera teatrali. L’opera combina dramma e leggerezza, omaggiando il genere senza rinunciare a un tocco contemporaneo. La presenza a sorpresa dell’attrice hollywoodiana Jessica Alba aggiunge ulteriore energia alla narrazione e rafforza il dialogo tra finzione e realtà.

In un comunicato stampa, il gruppo ha spiegato di aver scelto il mondo delle telenovelas perché iconico ed esagerato “nel miglior modo possibile”, dalle interpretazioni agli abiti, cercando di onorarne lo spirito pur divertendosi con il concept. È un tributo dichiarato, ma anche una messa in scena consapevole del dramma.

In una conversazione con Teen Vogue, Sophia ha descritto “Gabriela” come “un gioco sulla sicurezza in sé e sulla competizione, ma anche una riflessione su una visione ristretta delle cose”. Manon ha aggiunto che, se un partner non fa sentire al sicuro o induce a temere altre “Gabriela” o “Gabrielo”, forse il problema non è il rivale ma la relazione stessa. Sophia ha inoltre sottolineato come il brano giochi ironicamente sulla competizione interna che alcuni fan cercano di alimentare tra le membri: “È come se ci dicessimo l’una all’altra: ‘Giù le mani, questo è il mio posto.’ Ma non possiamo fare nulla senza l’altra. Siamo sei o niente.”

Questo livello di lettura trasforma il triangolo amoroso in una metafora più ampia: non solo rivalità romantica, ma anche dinamiche di confronto pubblico, fandom e percezione mediatica.

Il tema della donna che implora una rivale di non portarle via l’uomo richiama inevitabilmente “Jolene” di Dolly Parton, uno dei brani più celebri sul tema. In “Jolene”, la supplica è esplicita: “I’m beggin’ of you, please don’t take my man.” Anche “Gabriela” utilizza l’espressione “I’m beggin’”, creando un parallelismo intenzionale con il classico di Parton e con l’idea di una rivale tanto bella da poter avere “la scelta di tutti gli uomini”.

Nel testo emerge anche l’immagine della “amaretto skin”, una carnagione dorata che richiama il colore del liquore e del biscotto omonimo, diffusa nelle aree mediterranee, latinoamericane e mediorientali. È una tonalità intermedia di melanina, situata tra i fototipi più chiari e quelli più scuri, caratterizzata da riflessi dorati o bronzei simili all’olio d’oliva. L’associazione con l’estate sottolinea luminosità, calore e desiderabilità, enfatizzando il potere seduttivo attribuito a Gabriela.

“Gabriela” ha avuto un percorso complesso prima di arrivare a KATSEYE: secondo alcune ricostruzioni, era inizialmente una demo destinata a Rita Ora e Anitta nel 2019, poi accantonata e proposta a diverse etichette, fino a essere acquisita da HYBE e UMG. Il 15 maggio 2025, durante una live su Weverse, KATSEYE ha confermato ufficialmente l’inclusione del brano nella tracklist del loro secondo EP.

Nella settimana di tracciamento conclusasi il 5 luglio 2025, “Gabriela” ha debuttato alla posizione #94 della Billboard Hot 100, segnando la seconda apparizione del gruppo in classifica dopo “Gnarly”. Nella settimana conclusasi il 17 gennaio 2026, il brano ha raggiunto un nuovo picco alla #21. Inoltre, “Gabriela” è stato nominato ai Grammy Awards 2026 nella categoria Best Pop Duo/Group Performance.

Con “Gabriela”, KATSEYE amplia il proprio spettro espressivo: se “Gnarly” incarnava l’irriverenza hyperpop, qui il gruppo esplora sensualità, vulnerabilità e teatralità. Il brano non si limita a raccontare un triangolo amoroso, ma riflette sulle dinamiche di competizione, sull’insicurezza e sulla costruzione dell’immagine femminile nel pop contemporaneo.

In equilibrio tra omaggio e reinvenzione, tra melodramma e ironia, “Gabriela” conferma la capacità di KATSEYE di muoversi tra generi e linguaggi culturali differenti, consolidando una traiettoria artistica sempre più riconoscibile e globale.

KiiiKiii – Delulu Pack: trasformare le illusioni in un modo di vivere

 

Dopo il debutto con l’EP UNCUT GEM, KiiiKiii torna con il suo secondo EP, Delulu Pack, pubblicato nel gennaio 2026. Il progetto è stato anticipato dal singolo “To Me From Me”, brano scelto come colonna sonora del web novel collaborativo Dear.X: Tomorrow’s Me to Today’s Me, segnando un primo, importante ponte tra musica e narrazione.

Il significato di “Delulu”

Il titolo del mini-album nasce da “delulu”, uno slang emerso su TikTok e derivato dalla parola inglese delusional. Viene utilizzato per descrivere qualcuno che coltiva aspettative irrealistiche, spesso con una sfumatura ironica o autoironica. L’aggiunta di “Pack” trasforma il termine in qualcosa di più creativo e giocoso, adattandolo al concept dell’album: immaginazione, desideri e sogni irrisolti. Questo approccio è evidente anche nella traccia “Delulu”, che incarna pienamente lo spirito del progetto.

In un’intervista rilasciata a CLASH, Leesol ha spiegato perché il gruppo ha scelto proprio questo termine e questo tipo di concept:

«Tutti hanno quei sogni irrealistici o quelle illusioni che si portano dietro fin dall’infanzia. Penso che KiiiKiii possa aiutare a far emergere quei desideri e sogni irrisolti. È per questo che “delulu” è al centro di questo album: per ricordare alle persone i sogni che avevano una volta.»

Un nuovo suono, una nuova libertà

Guidato dalla title track “404 (New Era)”, Delulu Pack si distacca sonoramente da UNCUT GEM. Se il primo EP era costruito su beat forti e synth definiti, questo nuovo lavoro esplora ritmi più vari, influenze elettroniche e dance, e introduce elementi quasi sospesi che trasmettono libertà e movimento, privilegiando l’atmosfera e l’emozione.

Con questo EP, KiiiKiii invita fan e ascoltatori a esprimere liberamente ciò che sentono, anche quando le aspettative appaiono un po’ surreali, incoraggiando l’uso dell’immaginazione come forma di auto-definizione.

Delulu Pack come manifesto di inizio anno

KiiiKiii – The 2nd EP [Delulu Pack] si presenta come una vera e propria dichiarazione d’intenti.

Le frasi che lo accompagnano chiariscono subito il tono:

• “È il momento di lasciare andare la realtà per un attimo e rigenerare chi vuoi essere.”

• “Il desiderio di Capodanno di Kiki per il 2026, progettato a modo suo.”

• “La prima frase che apre il 2026: ‘Quest’anno, sii me stessa, un po’ più coraggiosamente.’”

Questo secondo mini-album è come la prima pagina dell’anno nuovo, scritta da Kiki come una presa di posizione. Delulu, nato come meme, diventa qui un linguaggio personale, riorganizzato per definire la visione del 2026. La formula che ne deriva è semplice ma potente:

“Se anche un’illusione diventa un piano, allora è un obiettivo per il nuovo anno.”

Se UNCUT GEM era una presentazione — “Siamo questo tipo di team” — Delulu Pack è un vero blueprint di vita: “Con quella gemma, vogliamo costruire questo tipo di esistenza.”

Il desiderio di Capodanno di Kiki non è grandioso o spettacolare: non diventare qualcun altro, ma esistere liberamente ovunque, come la persona che è adesso. Umorismo, atteggiamento, immaginazione ed esagerazione si fondono per esprimere questa volontà nel modo più autenticamente “Kiki”.

Più che cambiare la cornice della realtà, l’album celebra la capacità di reinventarsi aggiungendo colore, texture e narrazione a ciò che già esiste. Delulu Pack è, in questo senso, una sintesi di atteggiamento prima ancora che di suono.

“404 (New Era)”: esistere fuori dal sistema

La title track “404 (New Era)” afferma con decisione:

“Anche se non sono nel sistema, esisto come me stessa.”

Costruita su una base UK house/garage, con accordi rimbalzanti, bassline corposa e un sound club moderno e affilato, la canzone lascia che le vocal si muovano libere, oscillando su un ritmo elastico. Il celebre errore informatico “404 Not Found”, solitamente associato a mancanza o fallimento, viene reinterpretato come “libertà senza coordinate”.

Non si tratta di un errore da correggere aggiornando la pagina, ma di un segno di rinnovamento e liberazione: esistere fuori dai sistemi rigidi, dai percorsi prestabiliti. È la voce di una generazione che preferisce cambiare strada invece di cercare la risposta giusta, che sa muoversi meglio fuori dagli schemi piuttosto che cercare di entrarci. Aprire il 2026 non con un planner, ma con una domanda diversa: “Come posso uscire dalla cornice a modo mio?”

Il music video amplifica visivamente questo concetto: “404 (New Era)” trasforma le fantasie d’infanzia delle member — il sogno di diventare dive — in un falso-documento di realtà, ricostruendo in modo straniante la scena del “mi immaginavo così da bambina”. È il momento in cui la “delulu” diventa reale.

Sei tracce, sei “modalità” per iniziare la giornata in stile Kiki

Dal primo all’ultimo brano, l’album è unito da un’attitudine coerente:

“Anche se la realtà è sfocata, io divento più nitida restando me stessa.”

• “Delulu” apre l’EP con un’energia da passerella: una disco track deep-house, allegra e scorrevole, che mescola coolness, sfrontatezza e ironia, incarnando al massimo l’estetica Gen Z fatta di libertà e auto-espressione senza scuse.

• “404 (New Era)” esplode subito dopo con un club sound che mette in scena la visione centrale dell’album.

• “UNDERDOGS” racconta con freschezza il momento in cui chi era considerato un outsider ribalta la situazione. Vocal chops in apertura, bassline energica e un messaggio chiaro: “Alla fine, siamo noi quelli che rubano la scena.”

• “Meongnyang (MUNGNYANG)”, titolo che richiama i versi coreani di cane e gatto (meong e nyang), accelera la giornata con un rap giocoso e un beat hip-hop vivace, sprigionando un’energia tomboy e spensierata.

• “Dizzy” cattura la sensazione di stordimento appena svegli, con un minimal hip-hop beat e vocal medio-basse confortevoli, raccontando quel momento in cui si pensa: “Ok, oggi ricomincia tutto.”

• “To Me From Me (Prod. TABLO)” chiude l’album come una lettera di Capodanno al proprio io futuro. È il primo vero tentativo di Kiki con un sound retro e più vicino alla ballad, prodotto da Tablo (Epik High). Le voci delle member si intrecciano con una melodia nostalgica e malinconica, lasciando un’eco emotiva morbida e persistente.

Le member hanno raccontato quanto questo brano sia stato speciale:

Jiyu lo definisce il loro primo vero soundtrack e il pezzo più emotivo mai registrato;

Sui sottolinea come il tempo più lento e il testo significativo l’abbiano spinta a concentrarsi sul messaggio;

Haum evidenzia quanto i testi siano facilmente riconoscibili a livello personale e destinati a toccare molti ascoltatori.

Un ritorno e una conferma

Delulu Pack arriva cinque mesi dopo il singolo digitale “DANCING ALONE” e dieci mesi dopo l’EP di debutto “UNCUT GEM”. Con questo lavoro, KiiiKiii ribadisce la propria identità: scegliere l’atteggiamento invece delle risposte, l’umorismo invece della serietà, una visione del mondo invece di un genere musicale.

Per Kiki, illusioni esagerate, immaginazione infantile e coraggio momentaneo non sono difetti, ma un linguaggio che permette di espandersi. E il messaggio finale dell’album è tanto semplice quanto potente:

“Non va bene cercare di essere qualcun altro. Così come sono ora, sono già abbastanza cool.”

“Gnarly”: Un suono audace fuori dagli schemi e l’inizio di un nuovo capitolo artistico

 

Il 30 aprile 2025 il global girl group KATSEYE, formato sotto HYBE e Geffen Records, ha pubblicato il nuovo singolo “GNARLY”, aprendo ufficialmente una nuova fase del proprio percorso artistico. Presentato come un brano capace di rompere le strutture esistenti e valorizzare vocalità “inarrestabili”, “GNARLY” si impone fin da subito come una dichiarazione d’intenti: audace, divisivo, volutamente destabilizzante.

Il brano appartiene al genere hyperpop e integra elementi dance e punk, distinguendosi per un suono deciso, esotico e fuori dagli schemi. Le sei membri combinano vocalità energiche e liriche dirette, amplificando l’intensità del gruppo e rafforzandone l’identità sonora. Alla scrittura e composizione ha partecipato Alice Longyu Gao, figura centrale dell’hyperpop contemporaneo, che compare anche nei cori. La sua impronta è evidente nell’estetica abrasiva del pezzo e nella volontà di spingere il pubblico fuori dalla zona di comfort.

Alla produzione hanno contribuito nomi di rilievo internazionale: Team Tim (collaboratori di artisti come Marshmello, The Chainsmokers, Jason Derulo e Lauv), Randolph, Bang Si-hyuk, Slow Rabbit, oltre al produttore Pink Slip. L’insieme di queste collaborazioni conferisce al brano una solidità produttiva che sostiene la sua natura sperimentale.

Fin dalla prima linea, il testo dichiara apertamente che tutto ciò che viene nominato nella canzone può essere descritto con la parola “gnarly”. Il termine, in inglese, possiede due significati distinti e opposti: può indicare qualcosa di “sgradevole o spiacevole” ma anche di “fantastico o eccellente”. Questo doppio valore semantico è il cuore concettuale del brano.

Nel corso della canzone, aziende, hobby, persone e persino cibi vengono etichettati come “gnarly”, sottolineando quanto la realtà possa essere semplificata in una sola parola, spesso in modo superficiale. In un’intervista a The Fader, Lara ha chiarito: “È importante sapere che esistono gnarly buoni e gnarly cattivi. Dipende da come lo interpreti.” Un invito implicito a non accettare passivamente l’opinione collettiva e a sviluppare uno sguardo individuale.

Lara ha inoltre raccontato che “GNARLY” è una canzone volutamente poco strutturata, quasi casuale, più focalizzata sull’atmosfera che sulla linearità. In studio, I membri hanno sperimentato diversi personaggi e timbri vocali; Lara stessa ha registrato indossando occhiali da sole e un cappotto di pelliccia sintetica per entrare nello stato d’animo giusto. Manon ha aggiunto che il gruppo si è lasciato completamente andare, provando persino a cantare il brano con accento britannico, giocando con le possibilità espressive. L’essenza della traccia, secondo loro, consiste nel “lasciarsi andare senza pensare troppo”, rendendola una delle registrazioni più divertenti della loro carriera.

“GNARLY” non è soltanto un esercizio stilistico, ma una riflessione ironica sulla sovrasaturazione dell’industria pop. Alcuni versi fanno riferimento diretto agli elementi della canzone e agli atteggiamenti verso gli artisti online, suggerendo una presa in giro consapevole delle dinamiche di consumo e critica digitale. Le stesse KATSEYE hanno anticipato le possibili reazioni contrastanti, pubblicando un video sui social in cui scherzavano sul fatto che il brano avrebbe richiesto più ascolti per essere compreso.

Nel secondo verso, la parola “gang” sostituisce ripetutamente “gnarly”, dimostrando come anche termini apparentemente semplici possano assumere significati opposti a seconda del contesto: gruppo di amici o banda criminale. L’uso insistito di parole basilari sopra una base elaborata mette in luce quanto l’attenzione possa essere catturata da elementi ripetitivi e immediati.

La frase “Oh my god, this song’s so lit, congratulations” suona come un’autoironia sulle critiche che accusano il brano di essere ripetitivo o privo di significato. Allo stesso modo, espressioni come “The shit” giocano sul doppio senso: eccellente o spregevole, rafforzando ulteriormente il messaggio centrale sulla polisemia delle parole.

La canzone include anche riferimenti alla cultura del consumo di massa. Alice Longyu Gao ha raccontato sui social come il bubble tea possa rappresentare sia un “gnarly cattivo” (per via delle calorie vuote e dell’aumento di peso) sia un “gnarly buono” (per il piacere associato al suo consumo). La conclusione dell’artista è un invito alla moderazione, riassumendo la critica implicita verso il consumismo e la commercializzazione eccessiva.

Il brano contiene inoltre un riferimento sonoro particolare: subito dopo il verso “Partyin’ in the Hollywood Hills” si sente un gemito femminile in sottofondo. Il produttore Pink Slip ha spiegato l’origine di questo dettaglio in un video TikTok con l’influencer Jarred Jermaine. Nella demo originale, quel suono era invece una risata. La traccia era stata inizialmente anticipata nel 2023 in un TikTok dei The Chainsmokers con Alice Longyu Gao; con ogni probabilità si trattava di una collaborazione poi accantonata e successivamente proposta ad altri artisti, tra cui KATSEYE.

Il 23 marzo 2025 “GNARLY” era stato ufficialmente registrato presso ASCAP, generando attesa per il primo comeback del gruppo dopo il debutto. Il singolo ha segnato la prima apparizione di KATSEYE nelle classifiche principali: debutto alla posizione #52 nella Official Singles Chart del Regno Unito e alla #92 nella Billboard Hot 100 statunitense. Nella settimana di monitoraggio conclusasi il 10 gennaio 2026, il brano ha raggiunto un nuovo picco alla #82.

In precedenza, il primo EP del gruppo, SIS (Soft Is Strong), pubblicato nel 2024, era entrato nella Billboard 200. La title track “Touch” aveva superato i 100 milioni di streaming su Spotify in soli 82 giorni, consacrando KATSEYE come “Global Rising Star”.

Attraverso “GNARLY”, KATSEYE mette in evidenza sicurezza, atteggiamento e consapevolezza della propria immagine. Il brano abbraccia l’estetica provocatoria dell’hyperpop e utilizza l’ambiguità linguistica come strumento critico, trasformando una sola parola in un prisma di significati. Lungi dall’essere un semplice singolo, “GNARLY” rappresenta l’apertura di un nuovo capitolo, in cui il gruppo esplora con ironia e determinazione la propria identità artistica, attirando l’attenzione del pubblico globale su una traiettoria in continua evoluzione.

CHUU – “XO, My Cyberlove”: quando l’amore nasce tra realtà e digitale

 

CHUU pubblica il suo primo album full-length, XO, My Cyberlove, aprendo ufficialmente un nuovo capitolo del suo percorso artistico dopo il debutto solista. Un progetto che si presenta come “una canzone di un nuovo senso dell’amore in un’epoca in cui realtà e virtualità coesistono” e come “una totalità di storie d’amore moderne che esplorano nuove possibilità relazionali connesse da segnali digitali”.

Conosciuta come la “Human Vitamin”, Chuu espande in modo deciso il proprio universo musicale con questo album, il primo completo dopo l’esordio solista. A partire dal mini-album Howl del 2021, passando per Strawberry Rush e Only Cry in the Rain, l’artista ha progressivamente costruito un’identità sonora personale, sperimentando generi diversi e ampliando il proprio raggio espressivo. Se in passato la sua energia luminosa e adorabile era il fulcro, oggi Chuu la arricchisce di letture più profonde e stratificate, affermandosi come un’artista sempre più tridimensionale.

Un moderno racconto d’amore

XO, My Cyberlove è un album che cattura con delicatezza il cambiamento delle relazioni in un’epoca in cui il confine tra reale e virtuale si fa sempre più sottile. È una storia d’amore contemporanea, in cui il sentimento continua e si trasforma attraverso segnali digitali, chat e connessioni immateriali. Al centro ci sono la voce intensa e l’emotività di Chuu, capaci di dare forma a un’idea di amore che non appartiene più solo al mondo fisico.

L’album è composto da 9 tracce, distribuite tra pop, R&B, indie, hyperpop e alternative, generi che si intrecciano in modo naturale con il timbro vocale e il carattere dell’artista. Ogni canzone esprime un’emozione diversa, ma tutte insieme costruiscono una narrazione organica, come capitoli di un unico racconto.

“XO, My Cyberlove”: la title track

La title track “XO, My Cyberlove” è un brano pop analogico e sognante, sospeso su synth scintillanti, texture anni ’80 e quella luminosità tipica del K-pop. La melodia scorre con naturalezza ritmica, mentre la voce delicata di Chuu lega i segnali che si scambiano al confine tra realtà e fantasia, trasformandoli in un’unica emozione.

Secondo ATRP, il testo racconta il legame che nasce tra una persona e un’intelligenza artificiale, connessi esclusivamente attraverso una chat virtuale. Il concetto richiama il termine “cyber love”, usato nella Corea del Sud degli anni ’90 per descrivere il fenomeno allora emergente degli incontri online. Il brano diventa così una metafora delle onde emotive che si generano tra umani e AI, catturando una nuova forma di amore resa possibile dal mondo digitale e traducendo in musica un senso di nostalgia tecnologica, perfettamente in linea con il cuore spezzato dell’era digitale.

Le tracce dell’album

• Canary
  Una pop ballad che parla di fede incondizionata, conforto e attesa verso qualcuno che è stato ferito. L’intro al pianoforte trattiene l’emozione, che esplode progressivamente con strati di synth ed elettric guitar, come il climax di un film. La canzone cattura l’istante mozzafiato appena prima che i sentimenti esplodano, e la voce immersiva di Chuu rende l’esperienza intensa fino all’ultimo istante.

• Cocktail Dress
  Racconta il momento in cui ci si libera dal peso della quotidianità e si diventa un autoritrattto che fiorisce di luce propria. È un modern pop sensuale che mescola indie pop, alternative ed emo pop. Basso e batteria guidano il brano con decisione, mentre arpeggi brillanti deformano leggermente l’emotività. Qui Chuu mostra un altro volto, conducendo la melodia con espressione minuziosa e un controllo fluido del respiro.

• Limoncello
  Un pop vivace e giocoso, dal tempo allegro e dal sound frizzante. I synth percussivi e il pattern ritmico della batteria si diffondono come un’acidità deliziosa, regalando una sensazione di leggerezza immediata. L’attrazione improvvisa e inspiegabile viene paragonata all’acidità di un limone: un’emozione che si diffonde rapidamente, come un profumo che passa una sola volta. La voce di Chuu, precisa nel controllo di intensità e delicatezza, racconta l’inizio di un amore dolce e pericolosamente irresistibile.

• Teeny Tiny Heart
  Un brano electronic pop dal tempo allegro, in cui synth, drum elettronici e bassline si intrecciano con energia giocosa. Le strofe scorrono leggere e spiritose, mentre nel ritornello le voci si stratificano creando un effetto estremamente catchy. Chuu corre sul beat raccontando la confusione tenera di chi non voleva innamorarsi, ma si accorge che a tremare per primo è stato un minuscolo, adorabile pezzo di cuore. È una storia in cui chiunque abbia amato può riconoscersi.

• Love Potion
  Costruita su un groove mid-tempo naturale e rilassato, questa traccia affascina con il ritmo fluido dell’Afrobeats bounce, così morbido da far muovere le spalle senza sforzo. Il sound è sognante e calmo, ma attraversato da una passione che ribolle sotto la superficie. Il testo parla di slancio vitale, della forza di continuare ad avanzare mantenendo il proprio ritmo, trasformando la quotidianità in una danza personale. La tensione della voce piena di Chuu e la melodia addictive catturano l’orecchio fin dal primo ascolto.

• Heart Tea Bag
  Un’alternative R&B dal forte senso spaziale. Voce umida, percussioni contenute e bassi morbidi ma profondi si fondono con i synth creando un paesaggio sonoro che ricorda la pioggia che cade in una stanza buia. I synth si gonfiano lentamente come un’onda, rendendo la canzone cinematografica. Le emozioni ignorate emergono una a una, proprio come foglie di tè che rilasciano colore e aroma nell’acqua calda: un momento in cui, finalmente, si riesce a vedere il proprio cuore con chiarezza.

• Hide & Seek
  Un pop brillante che racconta l’eccitazione del tira e molla con qualcuno che ha già intuito i tuoi sentimenti. La bassline guida il brano con leggerezza, mentre rap giocosi, note alte fresche e vocal puliti si alternano con naturalezza. La melodia saltellante e il ritmo elastico catturano l’euforia pura dell’inizio dell’amore, esaltando quella tensione mozzafiato tipica della fase del “some”.

• When the First Snow Falls, Meet Me There (Loving You!)
  Un brano hyper rock / hyper pop che esplode di energia dall’inizio alla fine. Synth vorticosi, un tocco punchy e vocal che deflagrano con la melodia creano una sensazione travolgente, come il finale di un film. Tra emozioni grezze e sincere, tenerezza e romanticismo giocoso, la canzone cattura l’energia pura del primo amore. Come la prima neve, registra un momento emotivo raro e luminoso, che accade solo poche volte nella vita.

Un nuovo inizio

XO, My Cyberlove non è solo il primo album full-length di Chuu: è una raccolta musicale che racconta l’amore moderno, esplorando le nuove possibilità nate da relazioni connesse digitalmente. Un progetto che segna un nuovo punto di partenza per il suo universo artistico, dove nostalgia analogica e sensibilità digitale convivono, e dove l’amore — anche quando passa da uno schermo — resta profondamente umano.

BEAUTIFUL CHAOS: l’evoluzione imperfetta e magnetica delle KATSEYE

 

BEAUTIFUL CHAOS è il secondo EP del global girl group KATSEYE, pubblicato il 27 giugno 2025 tramite HYBE e Geffen Records, a due anni dal loro debutto del 2023 con SIS (Soft Is Strong). Il progetto arriva circa dieci mesi dopo il loro primo lavoro discografico, segnando una fase di passaggio significativa nel percorso del gruppo.

L’era di BEAUTIFUL CHAOS ha preso ufficialmente avvio il 22 aprile 2025, quando KATSEYE ha iniziato a stuzzicare il pubblico con nuovi indizi musicali. In quella data è stato annunciato che il singolo apripista, “Gnarly”, sarebbe stato pubblicato il 30 aprile insieme al relativo music video. Il brano, caratterizzato da un suono fortemente sperimentale e da testi firmati dall’artista hyperpop Alice Longyu Gao, ha suscitato reazioni contrastanti, dividendo l’opinione pubblica proprio per la sua natura audace e non convenzionale.

Il 7 maggio 2025 è arrivata l’ufficialità: il secondo EP, BEAUTIFUL CHAOS, sarebbe uscito il 27 giugno. Il team creativo ha definito il progetto come un lavoro che “abbraccia la celebrazione della confusione”, fondendo generi diversi per esprimere il tumulto creativo e l’evoluzione attraversati dal gruppo.

SOPHIA ha spiegato:

“Beautiful Chaos è la stagione che stiamo vivendo. È profondamente noi, ma è anche il nostro continuo evolverci e cercare chi siamo. È una grande fase di transizione per KATSEYE, un momento in cui scopriamo la nostra identità e le nostre diverse sfaccettature.”

Dal punto di vista commerciale, l’EP ha debuttato alla posizione #4 della Billboard 200, diventando il progetto con il miglior piazzamento in classifica per KATSEYE fino a oggi e consolidando la loro reputazione come “next generation pop icon”.

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Un percorso di crescita tra generi e collaborazioni internazionali

BEAUTIFUL CHAOS rappresenta un viaggio di crescita artistica che attraversa cinque tracce capaci di superare i confini di genere: dall’hyperpop all’R&B contemporaneo, dal dance pop alle sonorità latine. Le traiettorie del tempo e l’evoluzione delle sei membri si riflettono nei brani “Gnarly”, “Gabriela”, “Gameboy”, “Mean Girls” e “MIA”.

Il progetto vanta la partecipazione di musicisti e produttori di livello internazionale, tra cui Bang Si-hyuk, Andrew Watt (vincitore di Grammy Award), John Ryan, Slow Rabbit, Ali Tamposi, oltre al produttore Pink SLIP, noto per le collaborazioni con artisti come Marshmello, The Chainsmokers, Jason Derulo e LAUV. Tra i crediti figurano anche Randolph, Killah B e altri nomi di rilievo dell’industria globale.

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Tracklist e identità sonora

1. Gnarly

Brano hyperpop dal suono audace e originale, con elementi dance e punk, “Gnarly” mette in primo piano l’energia intensa e le vocalità incisive delle sei membri. Le liriche dirette e le performance dinamiche amplificano l’impatto del pezzo, rafforzando l’aura artistica del gruppo e definendone con maggiore chiarezza il colore musicale e il carisma.

2. Gabriela

Una fusione armoniosa tra pop stilizzato e sensibilità latina, “Gabriela” evidenzia l’energia sensuale del gruppo e una maturazione vocale più profonda. Il brano racconta la tensione di un triangolo amoroso, sviluppando emozioni e curiosità attraverso testi al tempo stesso onirici e schietti. Le parti in spagnolo di Daniela intensificano ulteriormente il coinvolgimento emotivo.

3. Gameboy (Title Track)

“Gameboy” è la title track dell’EP: un brano dance pop che combina un suono rétro ispirato ai videogiochi con un ritmo moombahton morbido e sensuale. Il risultato è un equilibrio tra ironia, fascino e controllo scenico. Le liriche, punteggiate da avvertimenti arguti verso un avversario sfuggente, mantengono alta la tensione, mentre le voci delle sei membri reinterpretano l’estetica rétro in chiave pop contemporanea, dimostrando flessibilità e competenza musicale.

4. Mean Girls

Basata su sonorità contemporary R&B e alternative pop, “Mean Girls” trasmette un messaggio sincero attraverso un’atmosfera calma ma ritmica. Il brano celebra l’esistenza e la diversità di tutte le ragazze, valorizzando forza, solidarietà e accettazione di sé. È una canzone che offre conforto e incoraggiamento a chi affronta difficoltà grandi e piccole nella propria vita.

5. M.I.A

“M.I.A” incarna l’energia ribelle e inarrestabile di KATSEYE. La fusione di elettronica e dance pop sostiene un messaggio di resistenza contro oppressione e vincoli. I beat coinvolgenti e le liriche sfidanti sono accompagnati da vocalità decise e atteggiamenti sicuri, imprimendo con chiarezza l’identità e la presenza del gruppo.

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Con BEAUTIFUL CHAOS, KATSEYE non si limita a proporre una semplice evoluzione stilistica: mette in scena una fase di transizione consapevole, in cui confusione e crescita convivono come parti integranti di un’identità in costruzione. Attraverso cinque tracce interconnesse, il gruppo consolida il proprio spettro musicale e rafforza la propria posizione nel panorama pop globale.

Apink – [RE: LOVE]: tornare all’essenza dell’amore, quindici anni dopo

 We dream of true love once again.

Like a dream that will never wake up, just like the first feeling, “Love Me More”.

Le Apink, che da sempre restano fedeli a se stesse e a un’unica direzione artistica, tornano con l’undicesimo mini album [RE: LOVE], un lavoro particolarmente significativo pubblicato dopo circa 2 anni e 9 mesi dall’album precedente. Non è solo un comeback: è un ritorno consapevole alle origini emotive del gruppo, proprio nell’anno in cui Apink celebra il suo 15° anniversario.

Un album che guarda indietro per capire il presente

[RE: LOVE] racconta una riflessione intima e universale: vivere una vita apparentemente brillante, ammirata e invidiata, e ritrovarsi improvvisamente davanti a un senso di vuoto. Da lì nasce una domanda semplice ma profonda, rivolta al passato di quindici anni fa: “Cosa volevo davvero?”
La risposta è l’amore. Un sentimento che non può essere paragonato a nulla, che riemerge come essenza originaria e che diventa il centro narrativo dell’album.

Questo mini album è costruito come un percorso che parte da una domanda e arriva a una consapevolezza: non voler dimenticare né perdere quel primo sentimento. Attraverso una sensibilità classica e una narrazione profonda, [RE: LOVE] restituisce un’atmosfera che solo Apink è in grado di creare, rievocando i momenti più amati da chiunque abbia mai provato l’amore, con la speranza che anche ciò che sembra destinato a svanire possa durare per sempre, pur senza credere all’eternità.

“Love Me More”: nostalgia luminosa e sincerità matura

La title track “Love Me More” fonde il suono moderno e sottile degli EP con i synth analogici anni ’90, creando un’emozione sospesa: vaga ma elegante, luminosa ma dolorosamente nostalgica. È una canzone che confessa un amore caldo e autentico, espresso con testi affascinanti che raccontano sentimenti maturi, onesti, mai ritrattati.

Il brano nasce da uno sguardo improvviso al passato che porta a interrogarsi sul presente. Non si tratta di rimpiangere qualcosa di concreto, ma di rendersi conto di aver rischiato di perdere l’essenza del “qui e ora”. Ciò che Apink voleva all’inizio era l’amore, e oggi non vuole dimenticarlo. In questo senso, Love Me More diventa una dichiarazione: anche se l’eternità non esiste, il desiderio è che questi momenti possano continuare il più a lungo possibile.

Le tracce dell’album

Accanto alla title track, [RE: LOVE] propone brani che esplorano diverse sfumature emotive e sonore:

• “Fizzy Soda” è una canzone dall’energia fresca e frizzante, con una sensibilità old-school costruita su tecniche di campionamento hip-hop. Il groove è immediato, sofisticato e fortemente addictive, mentre il rap dinamico mette in luce lati inaspettati delle member.

• “Birthday Cake” rilegge in chiave moderna la sensibilità R&B dei primi anni 2000. Come suggerisce il titolo, il messaggio è semplice e dolce: “Tu sei un regalo, come una torta di compleanno.” Testi caldi e melodie piene di gratitudine si fondono con le voci di Apink, lasciando una sensazione tenera e speciale.

• “Sunshine”, con il suo sound di band fresco e un timbro accattivante, racconta una linea emotiva delicata ma determinata. È una canzone di speranza, che parla di andare avanti con forza verso un luogo luminoso come il sole. Il brano è stato promosso come sub track ed eseguito su M Countdown (8 gennaio), Music Bank (9 gennaio) e SBS Inkigayo (11 gennaio). Inoltre, il 10 gennaio è stato presentato anche su Music Core.

• “Hold My Hand” unisce una melodia di pianoforte elegante, un tema caldo e un arrangiamento classico e imponente. Pensata anche come celebrazione del 15° anniversario, è una ballad tradizionale nello stile Apink, con un messaggio sincero dedicato ai fan che le hanno accompagnate per tutto questo percorso. In Comeback Countdown le member hanno rivelato che il brano era stato inizialmente considerato come fan song; tuttavia, è stato pubblicato come traccia regolare. Anche Bomi Yoon, durante il Doo O’clock Escape Cultwo Show del 7 gennaio, lo ha definito una fan song, lasciando aperta l’ambiguità sulla sua natura.

Un comeback ricco di “prime volte” e simbolismi

[RE: LOVE] segna diversi traguardi importanti nella storia del gruppo:

• è il primo mini album dopo il passaggio a With Us Entertainment;

• è il primo mini album pubblicato dopo il cambio di distribuzione;

• è il primo album delle Apink ad avere un trailer ufficiale;

• segna la prima collaborazione con il compositore Rado dopo quattro anni, dai tempi di Dilemma, ed è la prima dopo lo scioglimento di Black Eyed Pilseung.

Il 18 gennaio, durante l’ending fairy cut di SBS Inkigayo, Park Chorong ha annunciato il concerto delle Apink, previsto per il 21 e 22 febbraio, concludendo le attività promozionali televisive mostrando un hand sign con la scritta “Many Gwanbu”.

Con l’obiettivo di raggiungere 100 “Love Me More Challenge”, le Apink hanno partecipato a challenge insieme a idol di diverse generazioni, sottolineando ancora una volta il loro ruolo trasversale nella scena K-pop.

Il numero 15: un filo invisibile

Questo mini album viene pubblicato nel 2026, anno del 15° anniversario del gruppo, e — intenzionalmente o meno — il numero 15 ricorre più volte:
è enfatizzato nel trailer, la data di uscita è il 5 gennaio 2026, e la durata complessiva dell’album è di 15 minuti.
Si tratta inoltre del quindicesimo comeback delle Apink dal debutto.

Il 5 gennaio ha anche un valore simbolico: è il giorno in cui, 14 anni fa, le Apink ottennero la prima vittoria in un music show con My My. E il 15 gennaio, durante questa era promozionale, hanno conquistato il primo posto su M Countdown.

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Con [RE: LOVE], le Apink non si limitano a celebrare un anniversario: scelgono di tornare al punto zero emotivo, a ciò che le ha fatte nascere e crescere. È un album che parla di tempo, di memoria e di amore, e che dimostra come, anche dopo quindici anni, sia ancora possibile sognare il vero amore — ancora una volta.

“Mean Girls”: Tra R&B contemporaneo e solidarietà, una risposta gentile alle narrazioni ostili

 

“Mean Girls”, quarta traccia del secondo EP BEAUTIFUL CHAOS, pubblicato il 27 giugno 2025, rappresenta uno dei momenti più intimi e dichiaratamente politici del percorso di KATSEYE. Costruita su sonorità contemporary R&B e alternative pop, la canzone si sviluppa su una base calma ma ritmica, sostenendo un messaggio sincero che abbraccia l’esistenza e la diversità di tutte le ragazze.

Il brano esprime forza, solidarietà e valore dell’autoaccettazione, offrendo conforto e incoraggiamento a chi affronta grandi e piccole avversità quotidiane. È una traccia che non alza la voce per imporsi, ma sceglie la dolcezza come strumento di affermazione.

In un’intervista, le ragazze hanno spiegato che “Mean Girls” nasce come una sorta di omaggio alle critiche e alle reazioni negative ricevute dopo l’uscita del documentario dedicato al gruppo. Manon, parlando con Rolling Stone, ha raccontato:

“Molte di noi sono state chiamate ‘mean girls’ dopo l’uscita del documentario, quando hanno iniziato a circolare certe narrazioni. È un po’ un omaggio a questo. È come dire: li uccidiamo con gentilezza. Questa canzone chiude un capitolo.”

Dopo la formazione attraverso il reality “The Debut: Dream Academy”, collaborazione tra HYBE Corporation e Geffen Records, KATSEYE ha pubblicato un documentario che approfondiva il loro percorso. Tuttavia, alcune dinamiche mostrate hanno generato odio e speculazioni online: fan e netizen hanno diffuso voci su presunti conflitti personali tra le membri, costruendo narrazioni di rivalità e tensione.

“Mean Girls” risponde a tutto questo senza attaccare direttamente. Sceglie invece di ribaltare l’etichetta, trasformando il giudizio in dichiarazione di coesione.

Il verso “God bless the dream girls” richiama direttamente Dream Academy, riconnettendo la traccia alle origini del gruppo. È un gesto di affetto verso tutte le ragazze che hanno condiviso quell’esperienza e che sono state coinvolte, direttamente o indirettamente, nelle polemiche successive.

Il brano prosegue con:

“God bless the queen girls

That turn the other cheek girls”

L’espressione “turn the other cheek” significa scegliere di non reagire con vendetta o rabbia quando si subisce un torto. Deriva dal Vangelo di Matteo (5:39): “Se qualcuno ti percuote sulla guancia destra, porgigli anche l’altra.” In questo contesto, KATSEYE celebra le ragazze che scelgono il perdono, che non portano rancore e che resistono senza cedere alla spirale dell’odio.

Un altro modo di dire evocato nel discorso attorno alla canzone è “you made your bed and must now lie in it”, che indica la necessità di accettare le conseguenze delle proprie azioni. È un promemoria implicito sulla responsabilità individuale nelle narrazioni tossiche e nelle dinamiche di giudizio online.

Uno dei passaggi più significativi del brano è:

“God bless the T girls
And all the in-between girls”

In un’intervista con Rolling Stone, Lara ha sottolineato l’importanza di rendere omaggio alle ragazze trans, spiegando quanto la comunità trans abbia contribuito a plasmare il lavoro e il pubblico del gruppo. KATSEYE ha sempre dichiarato apertamente il proprio sostegno alla comunità LGBTQIA+.

Il 24 marzo 2025, Lara ha pubblicato un messaggio su Weverse in cui ha fatto coming out come queer, raccontando di aver compreso molto presto la propria identità. Qualche mese dopo, il 6 giugno, anche Megan ha dichiarato in una live su Weverse di essere bisessuale.

Il 13 maggio 2025, in un articolo su PAPER Magazine dedicato alla performance del gruppo al Wango Tango e allo styling curato da Gigi Goode (ex concorrente di Drag Race), Manon ha ribadito l’importanza di sostenere le ragazze trans, affermando che il gruppo desidera “stare dalla parte giusta della storia”.

La scelta di includere esplicitamente “T girls” e “in-between girls” nel testo non è casuale. Justin Tranter, uno degli autori del brano, ha rivelato su TikTok che altri artisti avevano mostrato interesse per la canzone, ma chiedevano di modificare quella parte del testo. Tranter si è rifiutato di farlo e ha definito KATSEYE “real ones”, riconoscendo la loro coerenza e autenticità.

“Mean Girls” non è soltanto una risposta alle critiche, ma una presa di posizione culturale. In un panorama digitale spesso dominato da conflitti, gossip e polarizzazioni, il gruppo sceglie di ribadire unità, sostegno reciproco e rispetto per la diversità.

La traccia chiude simbolicamente un capitolo, trasformando un’etichetta negativa in un manifesto di solidarietà. Con una produzione sobria ma incisiva, e un messaggio che intreccia esperienza personale e responsabilità collettiva, “Mean Girls” consolida l’identità di KATSEYE come gruppo consapevole, inclusivo e deciso a non lasciare che siano altri a definire la loro storia.